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戏曲扶持，扶“新”更要扶“心”


张嘴老师
2026-07-29 20:16·北京

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文｜张嘴老师

常泡剧场的戏迷大多有一个共同感受：想认认真真看一出骨子老戏越来越难，各类新编大戏、原创剧目却一台接一台地排。

很多人会问：放着流传百年的经典不演，为什么非要扎堆排新戏？答案其实并不复杂——舞台上的剧目选择，不止是审美问题，更是资源导向的问题。这根无形的指挥棒，正在悄悄改变戏曲的传承生态，甚至一步步把不少地方剧种推向“越扶持越式微”的恶性循环。



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指挥棒往哪指，院团就往哪走

新编戏扎堆的核心动因，直接指向当前的艺术扶持体系。

以国家艺术基金的大型舞台剧和作品创作项目为例，官方申报指南里明确写明：复排传统剧目不属于新创作范畴，不符合该类项目的申报要求；只有全新创作、改编移植的作品，才有资格申报立项。换句话说，单纯复排一出《金玉奴》《白蛇传》，拿不到国家级的创作扶持资金；但排一台全新的原创剧目，就有机会申请到百万级的项目资助。

对绝大多数地方院团而言，这不是选择题，是生存题。有项目就有经费、有展演机会、有评奖资格，主创和演员也有业绩、有职称评定的抓手。在这样的导向下，院团把核心精力投向新编戏创作，几乎是必然选择。2025年度的申报数据里，仅戏曲类大型舞台剧创作项目就申报了316项，占比超过三成，且连年保持增长——增长的几乎都是新创剧目，传统复排的份额微乎其微。

不是老戏不好，是排老戏“没效益”。这里的效益，不是市场票房的效益，是项目、奖项、职称的效益。当评价体系的权重向“新”倾斜，自然没人愿意沉下心去磨一出早已定型的老戏。

可怕的恶性循环：老戏断代，新戏悬空

这种导向长期持续，正在形成一个双向消耗的恶性循环，一点点掏空剧种的根基。

第一个闭环，是传承的断代。

青年演员常年泡在新编戏的排演里，接触的是为剧目量身定制的现代调度、新编唱腔，很少有机会完整学、反复演传统骨子老戏。而传统戏曲的精髓——程式、身段、声腔韵味、四功五法，恰恰都藏在一出出老戏里，必须口传心授、千锤百炼才能吃透。

老艺术家逐年老去，能完整传承老戏的人越来越少；青年演员没机会演、没地方学，基本功和程式功底持续退化。用不了一代人，很多传统剧目就会变成资料馆里的文字和录像，再也活不到舞台上。剧种的特色一点点被磨平，最后变成“什么都能演、什么都不像”的泛舞台艺术。

第二个闭环，是市场的失灵。

大量新编戏的生命周期，往往止步于结项演出、艺术节展演：拿了项目、演个三五场、开完研讨会，就入库封存，再也不会和观众见面。这些剧目投入巨大，却很难走进市场、很难被观众口口相传，更别说像《锁麟囊》那样传唱几十年。

另一边，真正有观众基础、有票房号召力的传统戏，因为得不到扶持倾斜，排演场次越来越少。老观众想看的戏看不到，慢慢远离剧场；新观众接触到的都是难以共情的新编戏，更难入坑。观众群体持续萎缩，剧种的生存土壤也就越来越薄。

到头来就出现了荒诞的局面：一边是年年投钱排新戏，剧目数量屡创新高；一边是观众想看的戏越来越少，剧种的辨识度越来越弱。看似在大力扶持戏曲，实则在一点点消解戏曲的本体。

不反对创新，只反对本末倒置

难以接受新编滥戏扎堆，绝不是否定戏曲创新。

传统戏曲一直以来都不是一成不变的，每个时代的经典，在它诞生的年代都是“新编戏”。程砚秋创排《锁麟囊》的时候，也是当时的新戏；河北梆子的《宝莲灯》，也曾是当年的创新之作。真正的创新，是扎根在剧种本体上生长，是顺着传统的脉络往前走，最终能留下来、传下去，变成后人的“传统”。

但当下很多新编戏的创新，逻辑是反过来的：不是内容需要创新，而是为了拿项目、赶节点必须创新。为了显得“现代”，强行堆砌抽象舞美；为了显得“高级”，硬套西方戏剧结构；为了追求“诗意”，连马鞭都换成了拂尘，连骑马都要真人扮演。

这种创新，不是从剧种里长出来的，是从外面套上去的。它不在乎观众能不能看懂，不在乎符不符合剧种特色，只在乎能不能在评审会上讲出概念、拍出好看的宣传照。

戏曲的根永远是传统，是那些经过百年观众筛选留下来的经典。老戏演不好、传承不到位，所谓的创新就是无源之水、无本之木。丢下传统去谈创新，本质上是舍本逐末。

救戏曲，先让老戏回到舞台

想要打破这个恶性循环，其实并不复杂，核心就是把倾斜的天平往回扳一扳。

扶持体系不能只奖励“创新”，更要奖励“传承”。应该给传统戏复排、老戏传承项目留出足够的资金份额，给青年演员学老戏、演老戏提供保障。让认认真真传承经典的院团和演员，也能拿到资源、获得认可，而不是只有排新戏才有出路。

评价标准不能只看专家评委，更要看观众口碑。一出戏好不好，不能只看研讨会的评语，更要看能不能卖票、能不能反复演、能不能被观众记住。把演出场次、市场反馈、观众满意度放进考核指标里，才能倒逼创作者回到内容本身，而不是围着评奖转。

最重要的是，要让老戏常演常新。传统戏不是博物馆里的文物，不是只能原封不动供起来。它可以在保留内核的基础上微调适配当代审美，可以通过短视频、线下演出走近年轻观众。活在舞台上的戏，才是活着的戏；有人看、有人唱的剧种，才不会失传。

说到底，我们扶持戏曲，初衷是救戏、是传承，是让老祖宗留下的好东西能传下去。如果扶持到最后，老戏没人会唱了，新戏没人爱看了，剧种的特色慢慢磨没了，那才是真正的“传统戏曲刽子手”。

戏曲的生命力，不在项目报告里，不在研讨会上，而在一方舞台上、在观众的掌声里、在一代代演员的口传心授里。别让我们的扶持，最后亲手把剧种的根给扶没了。








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